METODOLOGÍA MOVIMIENTO.

MÚSICA CONTEMPORANEA: IMPRESIONISMO, EXPRESIONISMO, POLITONALIDAD,  GRUPO DE LOS SEIS Y MÚSICA MODERNA.

1.    Introducción.

La música contemporánea: Impresionismo, Expresionismo, Politonalidad y grupo de los seis, comenzó a considerarse ya en el siglo XX como música innovadora, lo cierto es que todavía se puede considerar así, ya que digámoslo de esta manera, esta música no es tan popular y no es tan escuchada por la gente ya que es diferente a lo común , a la música que la gente en general está acostumbrada a escuchar.

Bien, cuando queremos trabajar este tipo de música en la ESO ocurre igual, es música que en un principio no gusta a los alumnos, que no llama la atención, por ello, para trabajar este tipo de música en secundaria tenemos que hacerla atractiva, tenemos que encontrar la forma con la que los alumnos se diviertan más y de esta manera a la vez puedan comprenderla y disfrutarla como quizás yo lo hago.

Para ello la manera de trabajarlo es, crear, imaginar, sumergirse en la música y transmitirlo a través de la expresión corporal.

2.    Métodos.

Utilizaremos para ello el método Dalcroze que como bien se explica en el blog es un método de expresión corporal o de movimiento, de sentir y transmitir.

También podemos utilizar para que sea a la vez más divertido y llamativo para los alumnos métodos teatrales como son el de la comedía del arte, los puntos de tensión y el personaje a través de la horizontalidad.

Esto consiste en crear a través del movimiento o expresión corporal utilizando los diferentes personajes de la comedia dl arte, como son Pulcinella, Pantalone, Arlequino, etc... Estos son personajes que están basados en animales, la cada personaje está identificado con una animal, así, cada alumno tiene que realizar su propia expresión corporal pensando que es un animal.

A través de los puntos de tensión localizada la expresión corporal se trabajaría pensando que la tensión la tenemos en una parte de nuestro cuerpo, es decir, por ej. Tenemos el punto de tensión en la mano derecha, por lo tanto la mano derecha es la que mueve todo el cuerpo, la que nos arrastra el cuerpo hacia donde mira la mano, la mano nos moverá en todo momento, pero siempre el intérprete, el que realiza la expresión corporal decide cómo moverse sintiendo la música, siempre desde la mano. Esto se puede realizar cambiando los puntos de tensión a otra parte de nuestro cuerpo.

Método a través de la horizontalidad, los alumnos se encontraran tumbados en el suelo, de manera horizontal, o bien con los ojos cerrados o abiertos. Es conveniente hacerlo de las dos maneras ya que se siente la música de una perspectiva diferente y la imaginación es mayor cuando el alumno se encuentra con los ojos cerrados, así, de esta manera el alumno tendrá que expresar a través de su cuerpo lo que la música le pida, lo que su imaginación le diga, eso sí, siempre desde la expresión corporal, siempre desde el movimeinto continuo.

Metodo Dalcroze.

Comedia del arte.

Puntos de tensión localizada.

3.    Objetivos.

·         Adquirir las capacidades musicales necesarias que permitan desarrollar sus formas de expresión a través del oído y el movimiento.

·         Apreciar la diversidad y los rasgos característicos de distintas obras musicales como forma de expresión y manifestación social.

·         Disfrutar de la audición de obras musicales como forma de comunicación y placer personal, y ampliar, en consecuencia, la gama de sus gustos musicales.

·         Participar en actividades musicales en grupo, con actitud abierta, colaboradora, desinhibida y respetuosa.

·         Aprender y reforzar los elementos básicos del lenguaje musical e interpretarlos.

·         Indagación en diferentes estilos musicales.

·         Fomentar la creatividad, jugar con la imaginación y trabajar la coordinación.

·         Autocontrol del cuerpo.

·         Ver la música como algo atractivo y no como algo simplemente teórico y aburrido.

·         Vivir la música a través de las emociones.

·         Reconocer los sonidos de los instrumentos que aparecen en las distintas obras musicales.

4.    Criterios de Evaluación.

·         Participa en clase aprendiendo nuevos estilos de una forma colaborativa.

·         Incorpora el lenguaje musical básico para la improvisación, creación e interpretación de obras a través del movimiento

·         Diferencia los diferentes instrumentos de una agrupación mediante la audición.

·         Conoce y desarrolla sus emociones para la aplicación en la improvisación e interpretación.

·         Relaciona unas obras con otras.

·         Tiene interés por este estilo musical y otros estilos musicales.

·         Colabora con sus compañeros respetuosa y desinhibida mente.

·         Reconoce los sonidos de los instrumentos que aparecen en las distintas obras musicales.

·         Analiza y expone sus valoraciones de audiciones musicales, utilizando criterios basados en el conocimiento musical.

·         Relaciona las obras musicales con otras manifestaciones artísticas.

·         Respeta las propuestas de improvisación e interpretación de otros compañeros.

5.    Competencias Básicas.

Cultural y artística

·         Elaborar y manipular diferentes formas de información para conseguir un

            objetivo musical.

Autonomía e iniciativa personal

·         Desarrollar capacidades relacionadas con la creatividad y la intuición.

·         Poner en juego habilidades de distintas formas de pensamiento para alcanzar un objetivo que antes no era evidente.

Social y ciudadana

·         Aplicar algunas nociones de la materia mediante juegos que le relacionan con otros compañeros.

·         Conocerse y valorarse a la hora de realizar actividades que impliquen un

             cierto grado de creatividad y autonomía.

·         Saber ponerse en el lugar de otras personas y especialmente en el de otras culturas.

Aprender a aprender

·         Identificar preguntas y problemas, analizar los conocimientos que se han

             obtenido y valorar los que aún faltan.

·         Mostrar una disposición favorable al conocimiento y el manejo de materiales nuevos.

·         Ser consciente de lo que se sabe o no se sabe y de lo que se necesita saber y se ha conseguido saber una vez realizado el ejercicio.

·         Organizar y autorregular el conocimiento adquirido para poder transmitirlo con el lenguaje técnico adecuado.

Comunicación lingüística

·         Comprender y saber comunicar tras una preparación guiada con materiales escritos.

·         Tener conciencia del uso del lenguaje musical y explicarlo con términos

             propios de la materia.

·         Leer, escuchar, analizar y tener en cuenta opiniones distintas de la propia

            con sensibilidad, respeto y espíritu crítico.

Información y competencia digital

·         Disponerse favorablemente, con confianza y seguridad, hacia la información que contiene elementos de lenguaje musical nuevos.

Interacción con el mundo físico

·         Argumentar de un modo racional la pertenencia a una determinada cultura de manifestaciones musicales variadas.

MOVIMIENTO.

JACQUES DALKROZE.
"El ritmo es el elemento de la música que afecta en primer término y con más fuerza a la sensibilidad infantil" (Hemsy de Gainza, 1964).
Nace en Viena en 1865 aunque es de familia suiza. Estudia en el Conservatorio y Universidad de Ginebra. En París recibe clases de Fauré. En Viena de Bruckner. Ya siendo profesor de solfeo descubre ciertos procedimientos y anquilosamientos en la enseñanza tradicional de la música que no le gustan. Parte de la concepción de que no es suficiente ser un gran concertista sino que la formación musical debe abarcar mucho más. Comienza con la gimnasia rítmica para adultos.

Propondrá innumerables ejercicios que permitirán, a través de la sensación muscular, crear y fortificar la imagen interior del sonido, del ritmo y de la forma para mejorar tanto la audición como la ejecución de los intérpretes (Del Bianco, 2007).

En el método Dalcorze, cualquier fenómeno musical, ya sea de carácter rítmico (pulso, acentos, valores, silencios), melódico (altura, intensidad, timbre), armónico (relaciones entre acordes, tensión) o formal (freses, estructura, forma) es objeto de una representación mediante movimientos corporales.

Ventajas de esto:  
- Importante factor de desarrollo y equilibrio del sistema nervioso.

- Acostumbra al niño/ adulto a conocerse a sí mismo.

- Desarrolla autodominio y eficacia en la acción.

- Rico medio para la expresión emocional.

Percibe que en las escuelas de música se perseguía un adiestramiento pero no un verdadero desarrollo de las aptitudes musicales, las cuales debían ser:

- agudeza auditiva.
- sensibilidad nerviosa.

- sentido rítmico y exteriorizar espontáneamente las sensaciones emotivas.

La rítmica dalcroziana desarrolla los vínculos naturales y beneficiosos entre movimiento corporal y el movimiento musical, desarrollando así las facultades artísticas de la persona. Esto lo lleva a cabo con:

-estimulación de la motricidad global

-trabajo de forma particular de la percepción y conciencia corporal

-la sensación muscular hace percibir el propio cuerpo y esto revierte en una mejora de la transmisión de musicalidad.

-diferentes ejercicios para entrenar oído musical y audición interior. Es primordial la utilización del espacio, donde el movimiento permite sentir el tiempo y la energía necesarios para cada gesto creando imágenes audiomotrices-espaciales.

Ejemplos:

Con movimientos de todo el cuerpo:

- La noción de peso al desplazase permite sentir y tomar conciencia de la métrica y compases.

-Tensión y relajación muscular para sentir los matices.

-Orientación en el espacio permite descubrir el fraseo.

-La utilización del espacio puede enriquecer la conciencia de espacio sonoro como las distancias entre sonidos, intervalos o acordes.

Para las lecciones rítmicas utiliza material auxiliar como pelotas, aros, sogas, lazos, etc. junto con instrumentos de pequeña percusión como panderos o claves.

En la rítmica dalcroziana el instrumento principal y el que lleva el papel preponderante en las clases es el piano, donde el rítmico (el profesor) improvisa sus ejercicios a los alumnos (Pascual, 2007).

La improvisación al piano es el eje de todas las enseñanzas recibidas, rítmica, solfeo, armonía, expresión corporal, bailes tradicionales, formas, estilos, instrumentos percusión, canto coral. Para ello se necesita una formación específica para este profesor que además debe improvisar los ejercicios al piano. Dalcroze, observando las ejecuciones de sus alumnos (arritmias) llega a la conclusión de que podrían tener alguna de las siguientes causas:

-El concepto, al no tener claro el concepto o la noción el alumno no puede reaccionar bien.

-La transmisión nerviosa, del cerebro a las manos, lo que implica la motricidad fina, no funciona bien. Ejemplo: no existe la rapidez necesaria para un pianista.
-La realización, no se reacciona bien por falta de técnica. Los músculos no pueden ejecutar los movimientos por falta de entrenamiento.

Cada uno de esos problemas no se soluciona de igual forma. Para ello tiene una amplia gama de ejercicios:

-repetitivos, de reacción, con material musical, material de rítmica, de calentamiento y trabajo técnico, de relación con el espacio, propuestas grupales, improvisación musical y corporal y creación musical y corporal.

Todo ello encaminado a favorecer de forma considerable la precepción sensorial.
Los momentos de relajación están integrados en la propia lección.

INVESTIGACIONES DALCROZE
Una de las líneas de trabajo del Institute Dalcroze de Ginebra va encaminada a relacionar la rítmica con la motricidad global y también la fina (para intérpretes).

Otra línea iría encaminada a mejorar el equilibrio y la orientación espacial en personas mayores dada su gran componente de actividades motrices, afectivas e intelectuales. También ayuda a la concentración y potenciación de la memoria.

Del Bianco, S. (2007). Jacques-Dalcroze. En Díaz, M. y Giráldez, A. (coords.). Aportaciones teóricas y metodológicas a la educación musical. Barcelona: Grao.

Pascual, P (2007). Didáctica de la música. Madrid: Pearson.

Webs:

http://www.dalcroze.ch/
http://www.joanllongueres.com/

Mirar esto es increible. Robot para quien le guste la música el teatro y la danza.

TEMA. MÚSICA CONTEMPORÁNEA EN LA ESO.

MÚSICA CONTEMPORÁNEA: Impresionismo, Expresionismo, Politonalidad y Grupo de los Seis Conviene que sepas: A comienzos del siglo XX, entre las décadas de los años diez y treinta, la creación musical vive un período de grandes innovaciones. Surge la llamada “Nueva música”, la cual se basa en principios completamente nuevos. Entre los estilos emergentes destacan, por su importancia, el impresionismo, el expresionismo, la música de influencia popular (musichall, jazz, …) y las primeras vanguardias, que dan lugar a concepciones revolucionarias sobre lo que se puede o no entender como música. Los cambios sociales y políticos que precederán a la II Guerra mundial (establecimiento de dictaduras en Rusia, Italia y Alemania, comienzo de una depresión económica de proporciones mundiales, y nacimiento del fascismo alrededor de 1930) acabarán con este período de experimentación y rebelión, surgiendo entonces renovados esfuerzos como la Gebrauchmusik y la “música proletaria” que intentarán popularizar la música contemporánea. Debussy, representante del Impresionismo musical ¿Quién soy? ¿Oh la la!. ¿Qué podría contarte sobre mi obrra…? Nunca me gustó estudiad en el conservatorio, pues loss profesorres y lass rreglas de la mússica classica siemprre me han parrecido aburrridas… Yo prrefiero inspirrarme en la música de otrrras culturas, como las de Bali o Java, y en músicas “alternativas” como el gregoriano, la música rusa o el folclore, e incluso en otras artes como la pintura y la poesía. Esto me ha perrmitido (si se permite deciglo), crearr un lenguaje musical sensual completement apartado de la tradición clásica impuesta por los teutones de “cabeza cuadrada”. Estas son algunas de mis “invenciones”: Características de mi obra 1. Mi música no trata de expresar emociones profundas ni de contar una historia, sino de evocar un clima, un sentimiento fugaz, una atmósfera. 2. Las alusiones a la naturaleza, ritmos de danzas, fragmentos de melodía y cuestiones afines, son una constante en mis obras. 3. Utilizo una orquestación sutil y de suaves combinaciones tímbricas. 4. Me gusta la libertad en la utilización de acordes disonantes (de 7ª, 9ª, 11ª o 13ª) usándolos simplemente por su resultado en el color “sonoro” de la obra. 5. Con frecuencia uso pentáfonas y exátonas. Guía de audición de Preludio “voiles” de Debussy. Observa y fíjate cómo Debussy hace usa el piano como una fuente de sonoridades complejas y de gran riqueza tímbrica, muy diferente como lo hacían los autores clásicos. Observa, además, el efecto de estatismo sonoro producido por la utilización de la escala de tonos enteros en un primer momento, y la pentatónica en las rápidas subidas arpegiadas. Schönberg, representante del Expresionismo musical ¿Quién soy? “Hola, querrido amigo. Sí soy yo, el denostado y a veces desprrreciado Arnold Schönberg. La época que me ha tocado vivirrr no es la más rrreceptiva a mis descubrrrrimientos. Aunque comencé componiendo en un estilo postrromántico similar al de mis ídolos Mahler y Strauss, pronto me di cuenta de que este estilo había sido ya explotado hasta el máximo, por lo que decidí crear un nuevo tipo de música que pudiera expresar la alienación y desesperación del hombre de comienzos del siglo XX…¡el expresionismo! Aquí tienes sus características esenciales que podrás escuchar en una de mis obras más famosas:” Características de mi obra 1. Mis obras son de pequeña duración, apartándose del gigantismo post romántico. 2. Utilizo una orquestación novedosa, de pequeñas combinaciones instrumentales, a menudo con una fugaz alternancia de timbres. 3. Mi música es de creciente complejidad rítmica y contrapuntística. 4. Me gusta fragmentar la línea melódica, elaborando el discurso desde unos pocos motivos. 5. Disfruto utilizando libremente los intervalos antes considerados disonantes. Guía de audición de Pierrot lunaire de Arnold Schönberg “Primer movimiento Mondstrunken (Ebrio de luz de luna) Se trata de un ciclo de 21 canciones extraídas de un ciclo de poemas del poeta simbolista belga Albert Giraud. Observa la instrumentación reducida de la pieza (voz femenina y conjunto de cámara de 4 ejecutantes). Observa también el carácter anguloso de la melodía, en la que se hace uso de la técnica del Sprechgesang, y cómo se produce una textura de gran complejidad en la que el piano crea una atmósfera irreal con su acompañamiento de ritmo obsesivo.   Historia de Pierrot Lunaire: El autor se imagina a sí mismo como Pierrot quien, símbolo del rayo lunar, intenta expresar todo lo que lleva dentro de la misma manera que un rayo de luz lunar asume muchas formas y colores en un cristal. Desgraciadamente, en lugar de las aventuras cómicas de Pierrot, imagina una fantasía horripilante     Satie, representante del Grupo de los Seis ¿Quién soy? Oh non, non, nooooon et mille fois non!. Quel horreur…! Ce n´est pas possible! Tanta imagen, tanta “impresión”, tanto flotar, o bien tanta profundidad, tanta “expresión”…Oh, la vida es más alegre que eso. A mi siempre me ha gustado la vida nocturna…el cabaret, las lindas mujeres…como a mi amigo el pintor Toulouse Lautrec…Por eso mi música es alegre y se inspira de la música popular y moderna, alejada de lo “sesudo” y profundo. Estas son mis “señas de marca”…” Características de mi obra 1. Me encanta componer piezas con gran sentido del humor, tanto en los títulos (Trois morceaux en forme de poire (Tres piezas en forma de pera), Embryons desséchés (Embriones disecados) como en las indicaciones (pp “ en un pauvre souffle” (pianissimo en un pobre suspiro), “avec beaucoup de mal” (con mucha dificultad). 2. Mi música es alegre, caprichosa, breve, repetitiva, parodística e ingeniosa en sumo grado, aunque también puede ser a veces sobria e incluso seca. 3. A menudo escribo pasajes llenos de estatismo y falta de tensión armónica. 4. Busco la simplicidad y me gusta reflejar influencias de la música popular que tanto amo, especialmente en el ritmo. 5. No sigo las reglas clásicas, y a menudo realizo paralelismos, disonancias, etc., anotando a veces incluso la música sin barras divisorias de compás. Guía de audición de Jack in the box de Erik Satie. Fíjate como las características de la música de variedades que hace furor en la época influye en el ritmo. Observa el carácter alegre y desenfadado de la melodía, que, tras una sección con ritmo danzable, se convierte más tarde en juguetona y humorística. Charles Ives, representante del Politonalismo ¿Quién soy? “Yes, I am the most innovador…no me conformo con nuevas técnicas de composición, sino que he dado lugar a ideas completamente revolucionarias sobre lo que es la música. Mi formación no ha sido académica, y el reconocimiento de mi música nunca me ha llegado en vida, pero las importancias de mis innovaciones darán mucho de qué hablar en el futuro Lee, y, ¡asómbrate!” Características de mi obra 1. Mi música emplea a menudo libremente la disonancia. 2. Me encanta todo lo que es “poli”, como la politonalidad y la polirritmia. 3. La forma de mis obras es casi siempre nueva y experimental. 4. Mezclo elementos convencionales y no convencionales, como fragmentos de canciones folklóricas o de danzas con himnos evangelistas, música popular y las más modernas técnicas. 5. Uno de los materiales que más utilizo son los himnos protestantes. Guía de audición de In Flanders Fields de Charles Ives Observa la mezcla de estilos musicales modernos y convencionales: himnos americanos muy conocidos e incluso el himno francés de La Marseillese con el fin de despertar los sentimientos de patriotismo, heroísmo, vida militar y el ondear de las banderas. Fíjate como mientras el acompañamiento proclama las canciones evocadas con armonías “avinagradas”, las voces de los muertos (melodía del barítono) hablan desde sus tumbas en Flandes con una diatónica que, a pesar de su aparente sencillez, resulta algo vaga tonalmente.   MÚSICA ELECTRÓNICA Y ELECTROACÚSTICA Conviene que sepas Manual técnico para un compositor de música electrónica. Para ser un experto en música electrónica has de seguir los siguientes pasos: 1. Toma como material de partida sonidos grabados de la naturaleza (sonidos concretos), o creados mediante medios electrónicos (sonidos electrónicos) También puedes combinar ambos tipos o incluso pedir a los interpretes que produzcan sonidos “en vivo” que luego serán amplificados y transmitidos, a través de altavoces, a la audiencia. 2. Trabaja sobre estos sonidos variando su altura, así como la velocidad y el sentido de reproducción, modificando los parámetros y características de la onda sonora, así como realizando combinaciones de todos estos procesos. 3. Para lograr una representación más dinámica puedes integrar tus composiciones electrónicas con otras obras de arte como una secuencia audiovisual o una danza, así como combinarlas con la interpretación en vivo, en cuyo caso deberás anotar la parte grabada de manera más o menos simplificada para que sirva de orientación a los instrumentistas. 4. Si lo deseas, puedes utilizar Loops (breves fragmentos que se repiten constantemente, y que antes de que existiese el ámbito digital se lograban mediante trozos de cinta cuyos extremos se unían creando un bucle) ¿Quiénes somos, de dónde venimos, a dónde vamos? La música electrónica es lo más “in”. Veamos como nace esta nueva y apasionante música. Antecedentes La vertiginosa evolución de los sistemas de grabación en el siglo XX, junto con las nuevas técnicas de composición, posibilita la aparición de nuevos estilos musicales que consideran la obra musical como una arte mayor que engloba la organización de todos los sonidos posibles, tanto acústicos como electrónicos. “Musique Concréte” En 1948, en el estudio de grabación de la Radio Nacional Francesa, Pierre Schaeffer comienza a grabar sonidos “naturales” (como el de un tren o un piano) que luego modifica posteriormente mediante manipulaciones de la cinta grabada. Schaeffer bautiza como musique concrète” (música concreta) a este nuevo tipo musical basado en sonidos naturales o “concretos”. Así, en 1951 crea el Groupe de Musique Concrète en el que, junto con el compositor francés Pierre Henry, compone Sinfonía para un hombre solo, primera obra de música concreta basada principalmente en varios tipos de sonidos vocales modificados (respiración, risa, silbido, habla), combinados con otros tipos de sonido transformado (música orquestal, pasos, etc.).   Música electrónica En 1952, el compositor alemán Herbert Eimert, funda en la Radio de Colonia (Alemania) el primer estudio de música puramente electrónica en el que los sonidos son construidos por medios electrónicos. Esto permite a los compositores seriales controlar no solo las alturas y las duraciones, sino también los materiales sonoros mismos. Las primeras obras electrónicas son del compositor alemán Stockhausen: Studio I (1953) y Study II (1954) Música electroacústica El primer intento de música electroacústica se da en la obra El canto de los adolescentes (Stockhausen, 1956), en la que se combinan sonidos concretos (niño cantando) con otros puramente electrónicos. Pronto surgen nuevos estudios a mediados de los 50 en los que se borra la diferencia entre música electrónica y concreta. Para evitar su carácter “frío” e invariable se suelen unir a menudo las composiciones electrónicas con otras obras de arte como películas o danzas, y desde los 60 se combinan obras de cinta con la interpretación en vivo. El primer ejemplo de este tipo es la obra Música en dos Dimensiones para flauta, percusión, y cinta, del italiano Bruno Maderna.   Con la llegada de sintetizadores portátiles, diseñados especialmente para las interpretaciones en vivo, se crean grupos que interpretan música electrónica en tiempo real como el Stockhausen Ensemble (1964) A partir de los años 70 su uso comienza a ser muy habitual motivado por la facilidad de manejo y abaratamiento de los instrumentos electrónicos.

Música contemporanea en la ESO.


Metodos pedagógicos en la ESO.









Pagina muy interesante sobre como trabajr la música contemporanea en la Eso. Explica todo en forma visualizada y auditiva. Es Genial.


EXPRESIÓN CORPORAL PARA CUALQUIER CURSO DE PRIMARIA O SECUNDARIA.

A mi parecer se pueden hacer muchos ejercicios de expresión corporal relacionando la música contemporanea con el teatro, hay tecnicas teatrales que se pueden utilizar para la expresión corporal en  cualquier alumno/a, estos ejercicios trabajan el conocimiento de la música contemporanea como he nombrado anteriormente.

  

Aqui pongo un video que de alguna manera representa un poquito todo esto.

Pierrrot Lunaire. Schoenberg

La consagración de la Primavera. I. Stravinsky.




Kreuzspiel. Stockhausen.

Regard des Anges. Olivier Messiaen.



Sur Incises. P. Boulez.

Lilies in the valley. Jun Miyake.

Anaklasis. Penderecki.

Trois morceaux en forme. Erik Satie.

In Flanders Fields. Charles Ives.

¿Conoceis el grupo Stomp?

Percusión corporal (palmas y patadas).

El taller.