MÚSICA CONTEMPORÁNEA: Impresionismo, Expresionismo, Politonalidad y Grupo de los Seis
Conviene que sepas:
A comienzos del siglo XX, entre las décadas de los años diez y treinta, la creación musical vive un período de grandes innovaciones. Surge la llamada “Nueva música”, la cual se basa en principios completamente nuevos. Entre los estilos emergentes destacan, por su importancia, el impresionismo, el expresionismo, la música de influencia popular (musichall, jazz, …) y las primeras vanguardias, que dan lugar a concepciones revolucionarias sobre lo que se puede o no entender como música.
Los cambios sociales y políticos que precederán a la II Guerra mundial (establecimiento de dictaduras en Rusia, Italia y Alemania, comienzo de una depresión económica de proporciones mundiales, y nacimiento del fascismo alrededor de 1930) acabarán con este período de experimentación y rebelión, surgiendo entonces renovados esfuerzos como la Gebrauchmusik y la “música proletaria” que intentarán popularizar la música contemporánea.
Debussy, representante del Impresionismo musical
¿Quién soy?
¿Oh la la!. ¿Qué podría contarte sobre mi obrra…? Nunca me gustó estudiad en el conservatorio, pues loss profesorres y lass rreglas de la mússica classica siemprre me han parrecido aburrridas… Yo prrefiero inspirrarme en la música de otrrras culturas, como las de Bali o Java, y en músicas “alternativas” como el gregoriano, la música rusa o el folclore, e incluso en otras artes como la pintura y la poesía. Esto me ha perrmitido (si se permite deciglo), crearr un lenguaje musical sensual completement apartado de la tradición clásica impuesta por los teutones de “cabeza cuadrada”. Estas son algunas de mis “invenciones”:
Características de mi obra
1. Mi música no trata de expresar emociones profundas ni de contar una historia, sino de evocar un clima, un sentimiento fugaz, una atmósfera.
2. Las alusiones a la naturaleza, ritmos de danzas, fragmentos de melodía y cuestiones afines, son una constante en mis obras.
3. Utilizo una orquestación sutil y de suaves combinaciones tímbricas.
4. Me gusta la libertad en la utilización de acordes disonantes (de 7ª, 9ª, 11ª o 13ª) usándolos simplemente por su resultado en el color “sonoro” de la obra.
5. Con frecuencia uso pentáfonas y exátonas.
Guía de audición de Preludio “voiles” de Debussy.
Observa y fíjate cómo Debussy hace usa el piano como una fuente de sonoridades complejas y de gran riqueza tímbrica, muy diferente como lo hacían los autores clásicos. Observa, además, el efecto de estatismo sonoro producido por la utilización de la escala de tonos enteros en un primer momento, y la pentatónica en las rápidas subidas arpegiadas.
Schönberg, representante del Expresionismo musical
¿Quién soy?
“Hola, querrido amigo. Sí soy yo, el denostado y a veces desprrreciado Arnold Schönberg. La época que me ha tocado vivirrr no es la más rrreceptiva a mis descubrrrrimientos. Aunque comencé componiendo en un estilo postrromántico similar al de mis ídolos Mahler y Strauss, pronto me di cuenta de que este estilo había sido ya explotado hasta el máximo, por lo que decidí crear un nuevo tipo de música que pudiera expresar la alienación y desesperación del hombre de comienzos del siglo XX…¡el expresionismo! Aquí tienes sus características esenciales que podrás escuchar en una de mis obras más famosas:”
Características de mi obra
1. Mis obras son de pequeña duración, apartándose del gigantismo post romántico.
2. Utilizo una orquestación novedosa, de pequeñas combinaciones instrumentales, a menudo con una fugaz alternancia de timbres.
3. Mi música es de creciente complejidad rítmica y contrapuntística.
4. Me gusta fragmentar la línea melódica, elaborando el discurso desde unos pocos motivos.
5. Disfruto utilizando libremente los intervalos antes considerados disonantes.
Guía de audición de Pierrot lunaire de Arnold Schönberg “Primer movimiento Mondstrunken (Ebrio de luz de luna)
Se trata de un ciclo de 21 canciones extraídas de un ciclo de poemas del poeta simbolista belga Albert Giraud. Observa la instrumentación reducida de la pieza (voz femenina y conjunto de cámara de 4 ejecutantes). Observa también el carácter anguloso de la melodía, en la que se hace uso de la técnica del Sprechgesang, y cómo se produce una textura de gran complejidad en la que el piano crea una atmósfera irreal con su acompañamiento de ritmo obsesivo.
Historia de Pierrot Lunaire:
El autor se imagina a sí mismo como Pierrot quien, símbolo del rayo lunar, intenta expresar todo lo que lleva dentro de la misma manera que un rayo de luz lunar asume muchas formas y colores en un cristal. Desgraciadamente, en lugar de las aventuras cómicas de Pierrot, imagina una fantasía horripilante
Satie, representante del Grupo de los Seis
¿Quién soy?
Oh non, non, nooooon et mille fois non!. Quel horreur…! Ce n´est pas possible! Tanta imagen, tanta “impresión”, tanto flotar, o bien tanta profundidad, tanta “expresión”…Oh, la vida es más alegre que eso. A mi siempre me ha gustado la vida nocturna…el cabaret, las lindas mujeres…como a mi amigo el pintor Toulouse Lautrec…Por eso mi música es alegre y se inspira de la música popular y moderna, alejada de lo “sesudo” y profundo. Estas son mis “señas de marca”…”
Características de mi obra
1. Me encanta componer piezas con gran sentido del humor, tanto en los títulos (Trois morceaux en forme de poire (Tres piezas en forma de pera), Embryons desséchés (Embriones disecados) como en las indicaciones (pp “ en un pauvre souffle” (pianissimo en un pobre suspiro), “avec beaucoup de mal” (con mucha dificultad).
2. Mi música es alegre, caprichosa, breve, repetitiva, parodística e ingeniosa en sumo grado, aunque también puede ser a veces sobria e incluso seca.
3. A menudo escribo pasajes llenos de estatismo y falta de tensión armónica.
4. Busco la simplicidad y me gusta reflejar influencias de la música popular que tanto amo, especialmente en el ritmo.
5. No sigo las reglas clásicas, y a menudo realizo paralelismos, disonancias, etc., anotando a veces incluso la música sin barras divisorias de compás.
Guía de audición de Jack in the box de Erik Satie.
Fíjate como las características de la música de variedades que hace furor en la época influye en el ritmo. Observa el carácter alegre y desenfadado de la melodía, que, tras una sección con ritmo danzable, se convierte más tarde en juguetona y humorística.
Charles Ives, representante del Politonalismo
¿Quién soy?
“Yes, I am the most innovador…no me conformo con nuevas técnicas de composición, sino que he dado lugar a ideas completamente revolucionarias sobre lo que es la música. Mi formación no ha sido académica, y el reconocimiento de mi música nunca me ha llegado en vida, pero las importancias de mis innovaciones darán mucho de qué hablar en el futuro Lee, y, ¡asómbrate!”
Características de mi obra
1. Mi música emplea a menudo libremente la disonancia.
2. Me encanta todo lo que es “poli”, como la politonalidad y la polirritmia.
3. La forma de mis obras es casi siempre nueva y experimental.
4. Mezclo elementos convencionales y no convencionales, como fragmentos de canciones folklóricas o de danzas con himnos evangelistas, música popular y las más modernas técnicas.
5. Uno de los materiales que más utilizo son los himnos protestantes.
Guía de audición de In Flanders Fields de Charles Ives
Observa la mezcla de estilos musicales modernos y convencionales: himnos americanos muy conocidos e incluso el himno francés de La Marseillese con el fin de despertar los sentimientos de patriotismo, heroísmo, vida militar y el ondear de las banderas. Fíjate como mientras el acompañamiento proclama las canciones evocadas con armonías “avinagradas”, las voces de los muertos (melodía del barítono) hablan desde sus tumbas en Flandes con una diatónica que, a pesar de su aparente sencillez, resulta algo vaga tonalmente.
MÚSICA ELECTRÓNICA Y ELECTROACÚSTICA
Conviene que sepas
Manual técnico para un compositor de música electrónica.
Para ser un experto en música electrónica has de seguir los siguientes pasos:
1. Toma como material de partida sonidos grabados de la naturaleza (sonidos concretos), o creados mediante medios electrónicos (sonidos electrónicos) También puedes combinar ambos tipos o incluso pedir a los interpretes que produzcan sonidos “en vivo” que luego serán amplificados y transmitidos, a través de altavoces, a la audiencia.
2. Trabaja sobre estos sonidos variando su altura, así como la velocidad y el sentido de reproducción, modificando los parámetros y características de la onda sonora, así como realizando combinaciones de todos estos procesos.
3. Para lograr una representación más dinámica puedes integrar tus composiciones electrónicas con otras obras de arte como una secuencia audiovisual o una danza, así como combinarlas con la interpretación en vivo, en cuyo caso deberás anotar la parte grabada de manera más o menos simplificada para que sirva de orientación a los instrumentistas.
4. Si lo deseas, puedes utilizar Loops (breves fragmentos que se repiten constantemente, y que antes de que existiese el ámbito digital se lograban mediante trozos de cinta cuyos extremos se unían creando un bucle)
¿Quiénes somos, de dónde venimos, a dónde vamos?
La música electrónica es lo más “in”. Veamos como nace esta nueva y apasionante música.
Antecedentes
La vertiginosa evolución de los sistemas de grabación en el siglo XX, junto con las nuevas técnicas de composición, posibilita la aparición de nuevos estilos musicales que consideran la obra musical como una arte mayor que engloba la organización de todos los sonidos posibles, tanto acústicos como electrónicos.
“Musique Concréte”
En 1948, en el estudio de grabación de la Radio Nacional Francesa, Pierre Schaeffer comienza a grabar sonidos “naturales” (como el de un tren o un piano) que luego modifica posteriormente mediante manipulaciones de la cinta grabada. Schaeffer bautiza como musique concrète” (música concreta) a este nuevo tipo musical basado en sonidos naturales o “concretos”. Así, en 1951 crea el Groupe de Musique Concrète en el que, junto con el compositor francés Pierre Henry, compone Sinfonía para un hombre solo, primera obra de música concreta basada principalmente en varios tipos de sonidos vocales modificados (respiración, risa, silbido, habla), combinados con otros tipos de sonido transformado (música orquestal, pasos, etc.).
Música electrónica
En 1952, el compositor alemán Herbert Eimert, funda en la Radio de Colonia (Alemania) el primer estudio de música puramente electrónica en el que los sonidos son construidos por medios electrónicos. Esto permite a los compositores seriales controlar no solo las alturas y las duraciones, sino también los materiales sonoros mismos. Las primeras obras electrónicas son del compositor alemán Stockhausen: Studio I (1953) y Study II (1954)
Música electroacústica
El primer intento de música electroacústica se da en la obra El canto de los adolescentes (Stockhausen, 1956), en la que se combinan sonidos concretos (niño cantando) con otros puramente electrónicos. Pronto surgen nuevos estudios a mediados de los 50 en los que se borra la diferencia entre música electrónica y concreta.
Para evitar su carácter “frío” e invariable se suelen unir a menudo las composiciones electrónicas con otras obras de arte como películas o danzas, y desde los 60 se combinan obras de cinta con la interpretación en vivo. El primer ejemplo de este tipo es la obra Música en dos Dimensiones para flauta, percusión, y cinta, del italiano Bruno Maderna.
Con la llegada de sintetizadores portátiles, diseñados especialmente para las interpretaciones en vivo, se crean grupos que interpretan música electrónica en tiempo real como el Stockhausen Ensemble (1964) A partir de los años 70 su uso comienza a ser muy habitual motivado por la facilidad de manejo y abaratamiento de los instrumentos electrónicos.
